Über
Die Malerin
Raluca Luchian
Eine zeitgenössische Künstlerin, die abstrakte, atmosphärische Bilder malt — inspiriert von Emotion, Stille, Erinnerung und natürlichem Licht. Sie malt und verkauft in Knokke-Heist an der belgischen Küste.
Ihr laufendes Werk erkundet die weichen Übergänge zwischen Anwesenheit und Abwesenheit und lädt den Betrachter in kontemplative Räume aus Textur, Stille und Licht.
Die Bilder entstehen in Schichten — Acryl, Gele, Sand und Modellierpaste werden in die Leinwand eingearbeitet, bis die Oberfläche Tiefe statt Farbe trägt. Aus der Entfernung kommen sie zur Ruhe; aus der Nähe öffnen sie sich in Relief, Körnung und mineralische Textur.
Jedes Werk existiert nur einmal. Nichts wird gedruckt, aufgelegt oder reproduziert. Jedes Stück ist in Zedernholz gerahmt und rückseitig signiert.
In ihren eigenen Worten
Malerei, in Ralucas Worten
01 — Beginnings
Wie alles begann
Ich habe 2013 mit dem Malen begonnen, in einer Zeit, in der ich mehr Freizeit hatte. Ich kaufte ein paar Leinwände und etwas Acrylfarbe und fing einfach an zu experimentieren. Damals zeichnete ich auch viel — vor allem Porträts mit Bleistift. Da wurde mir klar, dass ich das wirklich gern tue und dass mir das Malen Ruhe und Erfüllung schenkt. Die ständige Unterstützung meines Mannes und das Vertrauen, das er mir jedes Mal entgegenbrachte, haben dazu viel beigetragen.
Ich bin Autodidaktin. Am Anfang habe ich mir sehr viele Tutorials und Videos auf YouTube angesehen und die Techniken dann selbst ausprobiert. Durch Übung und viel Experimentieren habe ich nach und nach meine eigene Arbeitsweise und meine eigene Richtung gefunden.
Ich male gern. Vor allem möchte ich, dass meine Arbeit Ruhe und Frieden vermittelt. Ich arbeite gern allein und in Stille, und wenn ich kann, bleibe ich bis spät in die Nacht im Atelier. Manchmal höre ich Musik; andere Male höre ich lieber nichts außer dem Schwamm oder dem Pinsel auf der Leinwand.
Ich möchte nicht, dass meine Bilder kalt, starr oder traurig sind. Traurigkeit ist nichts, was ich durch meine Arbeit weitergeben möchte. Es darf Spannung geben — aber eher das, was ich eine stille Spannung nennen würde.
Ich beobachte gern Menschen vor meinen Bildern: wenn sie stehen bleiben, wenn ich Freude oder Neugier in ihren Gesichtern sehe, und vor allem, wenn sie mir erzählen, was ein Werk ihnen sagt. Es fasziniert mich, wie unterschiedlich Menschen reagieren — manche bleiben vor einer Leinwand stehen, während andere von etwas ganz anderem angezogen werden.
Ich möchte den Menschen nicht unbedingt sagen, was sie sehen oder fühlen sollen. Ich lasse gern Raum für ihre eigene Interpretation.
02 — Style
Zuerst die Farbe, dann das Licht
Ich arbeite hauptsächlich abstrakt. Farbe ist das Erste, was meine Aufmerksamkeit fängt, danach Licht, Textur und Detail.
Bis vor Kurzem zogen mich vor allem erdige, natürliche Farben an — ich mischte unzählige Nuancen von Beige, Braun und Grün. Nach und nach begann ich, andere Farben hereinzuholen: zuerst Pfirsich, dann Bronze, das ich liebe, und seit Kurzem sogar Lila, Rosa und Petrolblau.
Ich mag neutrale Töne sehr, aber in letzter Zeit versuche ich, meine Komfortzone zu verlassen und eine farbigere Seite zu erkunden. Ich glaube, das spiegelt auch wider, wer ich als Mensch bin: Ich liebe Neutrales, aber es gibt Momente, in denen ich Farbe wirklich liebe.
Ich möchte bei der Abstraktion bleiben, ohne mich auf eine einzige Palette zu beschränken.
03 — Process
Bis es sich nach Harmonie anfühlt
Meist beginnt alles mit der Farbe. Ich gehe nicht von einer festen Kombination aus — ich mische meine Farben, und von dort beginnt der Prozess.
Ich habe kein genaues Bild im Kopf, wie das fertige Werk aussehen soll. Selbst wenn ich mit einer Idee beginne, ändert sie sich fast immer unterwegs.
Eine leere Leinwand bringt zwei Gefühle zugleich: die Aufregung, etwas Neues zu schaffen, und die Angst vor dem Unbekannten.
Der schwierigste Teil kommt oft in der Mitte. Es gibt Momente, in denen es sich anfühlt, als würde nichts funktionieren, oder als ginge das Bild nicht dorthin, wo ich es haben will. Aber ich gebe nicht auf. Ich mache weiter — ich verändere Dinge, übermale sie und überarbeite sie, wenn ich spüre, dass es nötig ist.
Ich arbeite meist in vielen Schichten. Selbst wenn mich eine Stelle viel Zeit gekostet hat oder ich sie liebe, decke ich sie lieber zu und beginne neu, wenn sie im Ganzen nicht mehr funktioniert. Eine gelungene Passage loszulassen ist nicht immer leicht, aber ich tue es, wenn das Bild es verlangt.
Wenn ich mich dem Ende nähere, ändert sich die Stimmung. Freude, Zuversicht und Zufriedenheit stellen sich ein. Manchmal gehe ich ins Atelier, nur um das Bild noch einmal anzusehen.
Für mich ist ein Werk fertig, wenn ich es ansehe und Harmonie spüre.
04 — Texture
Ein Detail zum Entdecken
Textur ist mir sehr wichtig — visuell ebenso wie beim Berühren. Ich gehe gern nah an ein Werk heran und berühre es, um die Oberfläche und die Unterschiede zwischen Materialien und Schichten zu spüren.
Ich liebe Details, nicht nur in der Malerei, sondern überhaupt. Ich liebe das Einzigartige, und ich wollte, dass meine Arbeit ein Element trägt, das nur mir gehört. Deshalb füge ich, bevor ein Bild fertig ist, ein kleines Detail hinzu, das der Betrachter entdecken kann — einen eingenähten Kiesel oder einen kleinen Stich in der Leinwand. Ich mag die Vorstellung, dass es neugierig macht, Menschen näher heranholt und sie vielleicht ein wenig länger beim Werk verweilen lässt.
Große Leinwände
Ich arbeite am liebsten auf großen Leinwänden. Man hat mich oft gefragt, warum ich so große Formate wähle. Ich glaube, die Antwort ist ganz einfach: Ich liebe Raum und Luft. Ich mag keine kleinen Räume. Auf einer großen Leinwand fühle ich mich viel freier, als hätte ich Platz, das Werk ohne Zwänge aufzubauen.
05 — Materials
Vom Keilrahmen zum Rahmen
Ich arbeite hauptsächlich auf Leinwand aus einer Baumwoll-Leinen-Mischung. Ich male mit Acryl und experimentiere gern mit verschiedenen Materialien und Oberflächen: matte und glänzende Gele, Sand, Modellierpaste und andere Materialien, mit denen ich Textur aufbaue.
Es gibt kein einzelnes Werkzeug, das ich benutzen muss. Ich arbeite gern mit dem Schwamm, aber ich nutze auch Pinsel, Tücher — und manchmal sogar meine Hände, wenn das Werk es verlangt. Der Prozess ist intuitiv und in vielen Schichten aufgebaut: Ich füge hinzu, decke ab, verändere und baue neu auf, bis das Bild das Gleichgewicht erreicht, das ich suche. Am Ende wird jedes Werk mit einem matten Firnis geschützt.
Keilrahmen und Rahmen
Die Keilrahmen werden in unserer eigenen Werkstatt gefertigt. Sie bestehen aus zwei miteinander verleimten Holzschichten — für Stabilität und um das Risiko des Verziehens mit der Zeit zu verringern, was umso wichtiger ist, weil ich oft auf großen Formaten arbeite.
Sowohl die Keilrahmen als auch die Rahmen fertigt mein Mann von Hand, der über zehn Jahre Erfahrung in der Holzbearbeitung hat und sie auch für andere Künstler baut. Alles entsteht rund um das, was ich mir für jedes einzelne Werk wünsche.
Die Rahmen sind aus Zedernholz. Ich habe es wegen seiner edlen, eleganten Erscheinung gewählt und weil es ein leichtes Holz ist. Da alles in unserer eigenen Werkstatt entsteht, kann ich für jedes Bild Proportionen und Oberflächen wählen und behalte die Kontrolle über das ganze Objekt — nicht nur über die bemalte Fläche.
06 — Recognition
Erste Ausstellung, erste Auszeichnung
Meine erste Ausstellung war ArtistMeeting im Belfried von Brügge. Dort erhielt mein Werk Ember Silence eine Auszeichnung von einem der Experten der Veranstaltung, Elias Willem.
„Es darf Spannung geben — aber eher das, was ich eine stille Spannung nennen würde.“
Raluca Luchian
Sehen Sie sie bei Tageslicht
Ein Bildschirm macht geschichtetes Acryl und Textur flach. Das Atelier in Knokke-Heist ist nach Vereinbarung geöffnet, und ein Video jeder Leinwand kann noch am selben Tag verschickt werden.