La peintre
Une artiste contemporaine qui peint des toiles abstraites et atmosphériques, inspirées par l'émotion, le silence, la mémoire et la lumière naturelle. Elle peint et vend depuis Knokke-Heist, sur la côte belge.
Son travail en cours explore les douces transitions entre présence et absence, et invite le regard dans des espaces contemplatifs faits de texture, de calme et de lumière.
Les toiles se construisent en couches — acrylique, gels, sable et pâte de modelage travaillés dans la toile jusqu'à ce que la surface porte une profondeur plutôt qu'une couleur. De l'autre bout d'une pièce, elles s'apaisent ; de près, elles s'ouvrent en relief, en grain et en texture minérale.
Chaque œuvre n'existe qu'une fois. Rien n'est imprimé, tiré ou reproduit. Chaque pièce est encadrée de cèdre et signée au dos.
Avec ses propres mots
01 — Beginnings
J'ai commencé à peindre en 2013, à une période où j'avais plus de temps libre. J'ai acheté quelques toiles et un peu d'acrylique, et j'ai simplement commencé à expérimenter. À l'époque, je dessinais aussi beaucoup — surtout des portraits au crayon. C'est là que j'ai compris que c'était quelque chose que j'aimais vraiment faire, et que la peinture m'apportait du calme et de l'accomplissement. Le soutien constant de mon mari, et la confiance qu'il m'a accordée à chaque fois, y ont beaucoup contribué.
Je suis autodidacte. Au début, j'ai regardé énormément de tutoriels et de vidéos sur YouTube, puis j'ai essayé les techniques par moi-même. Par la pratique et beaucoup d'expérimentation, j'ai peu à peu trouvé ma propre façon de travailler et ma propre direction.
J'aime peindre. Avant tout, je veux que mon travail transmette du calme et de la paix. J'aime travailler seule et en silence, et quand je le peux, je reste à l'atelier tard dans la nuit. Parfois j'écoute de la musique ; d'autres fois, je préfère n'entendre que l'éponge ou le pinceau sur la toile.
Je ne veux pas que mes peintures soient froides, rigides ou tristes. La tristesse n'est pas quelque chose que je veux transmettre à travers mon travail. Il peut y avoir de la tension — mais c'est plutôt ce que j'appellerais une tension silencieuse.
J'adore observer les gens devant mes toiles : quand ils s'arrêtent, quand je vois du plaisir ou de la curiosité sur leur visage, et surtout quand ils commencent à me raconter ce qu'une œuvre leur dit. Cela me fascine de voir à quel point les réactions diffèrent — certains s'arrêtent devant une toile, tandis que d'autres sont attirés par tout autre chose.
Je ne veux pas forcément dire aux gens ce qu'ils doivent voir ou ressentir. J'aime laisser de la place à leur propre interprétation.
02 — Style
Je travaille principalement dans l'abstraction. La couleur est la première chose qui attire mon attention, puis la lumière, la texture et le détail.
Jusqu'à récemment, j'étais surtout attirée par les couleurs terreuses et naturelles — je mélangeais d'innombrables nuances de beige, de brun et de vert. Peu à peu, j'ai commencé à intégrer d'autres couleurs : d'abord la pêche, puis le bronze, que j'adore, et plus récemment même le violet, le rose et le bleu pétrole.
J'aime beaucoup les tons neutres, mais ces derniers temps j'essaie de sortir de ma zone de confort et d'explorer un côté plus coloré. Je pense que cela reflète aussi qui je suis : j'aime les neutres, mais il y a des moments où j'aime vraiment la couleur.
Je veux rester dans l'abstraction, sans me limiter à une seule palette.
03 — Process
Tout commence généralement par la couleur. Je ne pars pas d'une combinaison fixe — je mélange mes couleurs, et le processus démarre de là.
Je n'ai pas d'image précise en tête de ce à quoi l'œuvre finie doit ressembler. Même quand je commence avec une idée, elle change presque toujours en cours de route.
Une toile vierge apporte deux sentiments à la fois : l'excitation de créer quelque chose de nouveau, et la peur de l'inconnu.
Le plus difficile arrive souvent à mi-parcours. Il y a des moments où j'ai l'impression que rien ne fonctionne, ou que la peinture ne va pas là où je veux. Mais je n'abandonne pas. Je continue — je change des choses, je repeins par-dessus et je les retravaille si je sens que c'est nécessaire.
Je travaille généralement en de nombreuses couches. Même si une zone m'a pris beaucoup de temps, ou si je l'aime, je préfère la recouvrir et recommencer si elle ne fonctionne plus dans l'ensemble. Renoncer à un passage réussi n'est pas toujours facile, mais je le fais quand la peinture le demande.
À l'approche de la fin, l'humeur change. Le plaisir, la confiance et la satisfaction s'installent. Parfois je vais à l'atelier simplement pour regarder la toile encore une fois.
Pour moi, une œuvre est terminée quand je la regarde et que je ressens de l'harmonie.
04 — Texture
La texture compte énormément pour moi — autant visuellement qu'au toucher. J'aime m'approcher d'une œuvre et la toucher, sentir la surface et les différences entre les matières et les couches.
J'aime les détails, pas seulement en peinture mais en général. J'aime ce qui est unique, et je voulais que mon travail porte un élément qui n'appartienne qu'à moi. Alors, avant qu'une toile soit terminée, j'ajoute un petit détail à découvrir — un caillou cousu, ou un petit point de couture dans la toile. J'aime l'idée que cela éveille la curiosité, rapproche les gens et les retienne peut-être un peu plus longtemps devant l'œuvre.
Je préfère travailler sur de grandes toiles. On m'a souvent demandé pourquoi je choisis des formats aussi grands. Je pense que la réponse est très simple : j'aime l'espace et l'air. Je n'aime pas les petits espaces. Sur une grande toile, je me sens beaucoup plus libre, comme si j'avais la place de construire l'œuvre sans contraintes.
05 — Materials
Je travaille principalement sur une toile en mélange coton-lin. Je peins à l'acrylique et j'aime expérimenter avec différents matériaux et surfaces : gels mats et brillants, sable, pâte de modelage et d'autres matières qui m'aident à construire la texture.
Il n'y a pas d'outil unique que je doive utiliser. J'adore travailler à l'éponge, mais j'utilise aussi des pinceaux, des chiffons — et parfois même mes mains, si l'œuvre le demande. Le processus est intuitif et se construit en de nombreuses couches : j'ajoute, je recouvre, je change et je reconstruis jusqu'à ce que la peinture atteigne l'équilibre que je cherche. À la fin, chaque œuvre est protégée par un vernis mat.
Les châssis sont fabriqués dans notre propre atelier. Ils sont faits de deux couches de bois collées ensemble, pour la stabilité et pour réduire le risque de déformation avec le temps — ce qui compte d'autant plus que je travaille souvent sur de grands formats.
Les châssis comme les cadres sont faits à la main par mon mari, qui a plus de dix ans d'expérience dans le travail du bois et en fabrique aussi pour d'autres artistes. Tout est construit autour de ce que je veux pour chaque œuvre.
Les cadres sont en cèdre. Je l'ai choisi pour son aspect raffiné et élégant, et parce que c'est un bois léger. Tout fabriquer dans notre propre atelier me permet de choisir les proportions et les finitions pour chaque toile, et de garder la maîtrise de l'objet entier — pas seulement de la surface peinte.
06 — Recognition
Ma première exposition a été ArtistMeeting, au Beffroi de Bruges. Mon œuvre Ember Silence y a reçu un prix de l'un des experts de l'événement, Elias Willem.
Raluca Luchian
Un écran aplatit les couches d'acrylique et la matière. L'atelier de Knokke-Heist est ouvert sur rendez-vous, et une vidéo de n'importe quelle toile peut être envoyée le jour même.